Elke Boon y la ambigua rebelión de la fragilidad


STITCHES AND IMAGES: Exposición personal de Elke Boon. Camara Oscura Galería de Arte. c/ Alameda, 16, 1º B. Madrid. Comisario: Frederick de Preester. Hasta el 22 de mayo de 2010.

Con el artículo “Elke Boon y la ambigua rebelión de la fragilidad” (crítica de la actual exposición de la joven artista belga Elke Boon en la galería Camara Oscura de Madrid) empezamos una colaboración con el sitio amigo Submergentes.org.

Aquí va el link al artículo, espero que os guste…

Elke Boon y la ambigua rebelión de la fragilidad

Foto: Elke Boon, IBBE, 1997. C-Print, dibond. 80×96 cm. Edición: 5+2 PA. Courtesy: Galería camara oscura. Madrid.
 

Foto: Elke Boon, FLORE&LOTTE, 2009. C-Print, dibond. 35×52 cm. Edición: 5+2 PA. Courtesy: Galería camara oscura. Madrid.

 

VIDEOS DE ELKE BOON:

1.Liam – Elke Boon (2007)

2.Playing dead (2 fragments) – Elke Boon (2009)

3.OLGA ‘Nel cuor più non mi sentoQT med – Elke Boon (2008)

 

Artículos relacionados:

El himno a la alegría de Álvaro Tamarit


BOSQUE RECONSTRUIDO: Exposición personal de Álvaro Tamarit. Galería Arana Poveda-Proyecto Arte. C/ Fúcar, 12. Madrid. Hasta el 22 de Abril de 2010.

Alvaro Tamarit, FACTORIA DE EXTRACCIÓN DE OXIGENO. Courtesy: Álvaro Tamarit, Proyecto Arte Galería. Madrid

El futuro depende de nuestra creatividad. Da igual que seamos artistas o no. Nuestro futuro está en nuestras manos, ya que depende, en gran medida, de cómo seamos capaces de imaginarlo. Es decir, depende de nuestras ganas de vivir y de dar sentido a las cosas; de buscar, descubrir, hacer, deshacer y volver a hacer. De querer encontrar. En fin, de inventar. Dicho en otras palabras, depende de cuánto seamos capaces de ver el mundo de una manera diferente y de darle a los objetos, a los conceptos y a los contextos una vida nueva. Una forma distinta.

Estas premisas filosóficas y estéticas – deconstructoras y visionarias a la vez – parecen estar a la base de las obras que Álvaro Tamarit (Xàbia, Alicante, 1976) presenta por primera vez en Madrid en esta exposición en la galería AranaPoveda-Proyecto Arte. Desde su apertura (hace tres años) esta galería ha siempre apostado por artistas jóvenes e interesantes. Y Tamarit no hace excepción a esta regla.

Escultor por vocación, el artista alicantino expone acerca de veinte piezas realizadas entre 2007 y 2010. Se trata de obras bellas y divertidas, cuyos formatos, materiales y técnicas varían bastante. Se va, por ejemplo, desde una obra, como Casa biblioteca, en la que los libros y la madera se encuentran perfectamente combinados con una pesadísima estructura de hormigón, hasta esculturas parecidas a juguetes artesanales, pasando por fotocollage analógicos sobre tabla, muy agradables a la vista, en los que, en ocasiones, el artista introduce también partes de dibujos y pinturas. A pesar de ser obras bidimensionales, estos cuadros siguen manteniendo un importante componente escultórico, tanto por su concepción como por el proceso que el artista utiliza al montar personalmente las tablas y al ensamblar los diferentes elementos de la composición. Continue reading

La interzona escultórica de Conrad Shawcross y el co-marketing de Muji


THE LIMIT OF EVERYTHING. Exposición personal de Conrad Shawcross – I GOT A BREAK BABY…. Proyecto colectivo en colaboración con MUJI. Galería Pilar Parra & Romero. C/ Conde de Aranda, 2. Madrid. Hasta el 14 April de 2010.

Conrad Shawcross, SLOW ARC IN A CUBE II, 2008, light, steel, motors, 93 x 93 x 140 cm. © Photo by: Mariano C. Peuser. Installation Galerie Emmanuel Perrotin, Miami. Courtesy: Victoria Miro Gallery, London.

 

La obra de Conrad Shawcross (Londres, 1977) – presentada por primera vez en un espacio privado español en esta exposición en la galería Pilar Parra & Romero de Madrid – se mueve en aquella zona de las artes actuales en la que confluyen el arte cinético, el arte conceptual, la instalación y la escultura material y de luz. Se trata de una labor de carácter híbrido en la que los objetos y el espacio desempeñan un papel fundamental en la creación tanto de esculturas estáticas como de las típicas máquinas en movimiento de Shawcross.

Valiéndose de la célebre categoría estética burroughsiana, la obra de Shawcross se podría definir como interzona escultórica. En sus escritos críticos y literarios – que tanta influencia tuvieron en la definición de la estética post-moderna y “multi-sensorial” – William S. Burroughs había definido Interzone aquel lugar mental y narrativo en el que las conexiones asociativas del lector se encuentran interrumpidas por la práctica del cut-up, de tal manera que el propio lector se convierte de pasivo consumidor de las ideas de los demás en artífice de su propio conocimiento autónomo, rompiendo los límites convencionales y abriendo horizontes inimaginables de libertad y opciones posibles. En este sentido, su obra se configura como un himno solemne a la individualidad y a la libre construcción de los significados de la realidad. Continue reading

El videoarte expandido de Doug Aitken


THE MOMENT. Videoinstalación multicanal de Doug Aitken: Nave 16 – Matadero Madrid. Paseo de la Chopera, 14. Madrid. (Organización: Regen Projects y Matadero Madrid). Hasta el 21 de Marzo.

Foto: The Moment. © Doug Aitken. Courtesy: Matadero Madrid, Galería Regen Projects (L.A.), 303 Gallery (New York), Galería Eva Presenhuber (Zurich), Galería Victoria Miro (Londres). 2010.

 

Si alguien (al igual que quien escribe) hace unas semanas tenía la remota esperanza de ver en el ámbito de ARCO 2010 algo relevante sobre la actual producción artística de Los Angeles, y finalmente se ha quedado decepcionado – ya que lo muy poco expuesto ha resultado, en resumidas cuentas, francamente perdible – tiene una oportunidad para hacerse por lo menos una idea sobre lo que procede de esa ciudad, y concretamente sobre la obra de uno de los videoartistas más geniales y trascendentes del panorama internacional. Me refiero a la magnífica videoinstalación The Moment de Doug Aitken (Redondo Beach, CA, 1968), actualmente expuesta en la Nave 16 del Matadero de Madrid.

La exposición – organizada por el Matadero en colaboración con la galería Regen Projects de L.A. – valoriza plenamente los aspectos más típicos de la producción reciente del artista norteamericano. Esto es: la aproximación “expandida” al videoarte, que le lleva a crear contextos multimedia en los que las imágenes se “disuelven” en la atmosfera impactante de una ambientación visual, sonora y arquitectónica llena de sugerencias emocionales y conceptuales; la fragmentación narrativa, que rompe la superficie de proyección convencional, a través de una multi-visión compleja, rítmica y vívida, de imágenes en distintas pantallas; la plasmación del elemento sonoro, en tanto elemento sustancial e imprescindible (no meramente accesorio) de la obra; la dimensión performativa de la videoinstalación, que induce el espectador a moverse físicamente alrededor de las pantallas en la tentativa vana de recomponer un punto de vista único definitivamente superado. Continue reading

Ojos que excavan túneles. La fotografía de Pierre Gonnord


TERRE DE PERSONNE. Exposición personal de Pierre Gonnord: Sala Alcalá 31. C/ Alcalá, 31. Madrid. Comisario: Rafael Doctor Roncero. Hasta el 28 de Febrero.

ARMANDO, 2009. © Pierre Gonnord. Courtesy: Pierre Gonnord y Galería Juana de Aizpuru, Madrid.

 

En realidad, no habría mucho que escribir sobre la fotografía de Pierre Gonnord (Cholet, 1963). La pureza ética y formal de sus obras ya lo dice todo.

Para entender de lo que estoy hablando basta con ver los paisajes (fruto de su recientísimo trabajo) que acompañan la serie de retratos presentados en esta exposición curada por Rafael Doctor Roncero. Se trata de paisajes rurales, del norte de España y de Portugal, cuya belleza esencial habla por sí misma. Y eso que el paisaje es un tema fundamentalmente nuevo en el repertorio de Gonnord. Un tema que ha surgido de una exigencia nueva de desplazar la mirada artística del “hombre” a “su entorno”, a fin de fijar en imágenes aquellos elementos que conforman el medioambiente en el que, concretamente, trascurren las vidas de las personas retratadas y que marca signos indelebles en sus rostros tan peculiares.

 

INCENDIO VIII. 2009© Pierre Gonnord. Courtesy: Pierre Gonnord y Galería Juana de Aizpuru. Madrid.

La muestra propone al espectador una suerte de “dialógico” juego de espejos entre él y las acerca de cuarenta obras expuestas. De hecho, éstas, a la vez que le cuentan una historia, le interrogan sobre su propia “naturaleza” y su propia “cultura”. Se trata de imágenes (de gran formato) que retratan – como es habitual en la obra de Gonnord – mujeres y hombres en el interior de un estudio, con una solemnidad y un esmero estético comparables con los que adoptarían en su tiempo maestros de la pintura de este género (El Greco, Velázquez, Goya, Rembrandt etc.). Continue reading

Dibujar para sentir. La enfermedad del mundo contemporáneo según Moisés Mahiques


Sweet Illness. Exposición personal de Moisés Mahiques: Espacio Proyectos – GALERÍA FERNANDO PRADILLA. C/ Claudio Coello, 20. Madrid. Hasta el 20 de Febrero.

 

Sex Happening Location, no.8. Dibujo y esmalte sobre papel. 150X150 cm, 2008. Courtesy: La Casa Encendida, Madrid. 

 

Que la (eterna) práctica del dibujo – por su sencilla y a la vez poderosa capacidad de tocar directa y espontáneamente las cuerdas más profundas y primordiales de la intimidad, independientemente de sus técnicas, soportes, dimensiones y temas tratados – siga gozando en la actualidad, en plena autonomía y en continua expansión, de un óptimo estado de salud dentro de aquel mare magnum que se suele denominar “arte contemporáneo” es algo hoy en día practicamente cierto. Y lo prueba la alta calidad de los más de treinta dibujos (de distintos tamaños, sobre papel y papel vegetal) realizados por Moisés Mahiques  (Quatretonda, 1976) y actualmente expuestos en el Espacio Proyectos de la Galería Fernando Pradilla de Madrid.

Se trata de la primera muestra individual en Madrid de este joven artista valenciano y representa una de las nuevas propuestas artísticas más interesantes en el panorama expositivo de la ciudad en estos comienzos de 2010. Presente en Arco desde 2005, Mahiques lleva más de una década exponiendo en individuales y colectivas tanto en España como por el mundo (Roma, Suzuka, New York etc.) y  recolectando reconocimientos (como la Mención de honor en Generación 2007 o el accésit al Premio ABC de Pintura y Fotografía del mismo año).

La exposición – titulada Sweet Illness – se compone de tres series distintas que evocan otros tantos escenarios en los que se manifiestan diferentes facetas de la enfermedad social del mundo contemporáneo: la sexualidad, en la serie Sex Happening Location; la violencia, en Violence Happening Location; las consecuencias nefastas, tanto a nivel medioambiental como a nivel psicológico, de los aspectos más deteriores de la sociedad industrial de consumo, en Disaster Happening Location. Continue reading

Nan Goldin y el backstage de la vida


Nan Goldin. Exposición personal de Nan Goldin: Galería Javier López. C/ José Marañón, 4. Madrid. Hasta el 30 de Diciembre.

 

Nan Goldin
Joana dressing after the bath, Sag Harbor, NY, 2001.
Cibachrome. Dim. 70 x 102 cm. Ed.: 4/15. Courtesy: Galería Javier López, Madrid. 2009.
  

En el actual panorama expositivo madrileño llama bastante la atención esta muestra de la galería Javier López dedicada a Nan Goldin (Washington D.C., 1953); sobre todo si se considera que desde el 2002 – año en el que la fotógrafa norteamericana ganó el Premio PhotoEspaña y el MNCARS le dedicó la retrospectiva Devil’s playground – en este País no se han tenido muchas ocasiones para apreciar su obra en el ámbito de una exposición individual.

Por su típico corte de la realidad, fundamentalmente autobiográfico y descriptivo, que se materializa en “fotografías-verdad” transgresoras e impactantes (tanto en sus contenidos como en sus encuadres) Nan Goldin está considerada unánimemente como una de las intérpretes visuales más representativas de la estética postmoderna y de la cultura underground metropolitana de finales del siglo XX. De hecho, a partir de los años ochenta, su fotografía revitalizó el género documental, privilegiando el afán descriptivo y convirtiendo la ausencia de “filtros” estéticos en el signo de identidad de su peculiar labor artística. Sus instantáneas sancionaron el abatimiento definitivo de las fronteras entre algunas categorías culturales dicotómicas tradicionales, como “masculino-femenino”, “elitista-pop(ular)”, “público-privado”, “íntimo-social” etc. Continue reading

La pintura de Javier Garcerá, una invitación a dudar


Take off your shoes. Exposición personal de Javier Garcerá: Galería Álvaro Alcázar. C/ Hermosilla, 58. Madrid. Hasta el 8 de Diciembre.

Javier Garcerá, obras SIN TÍTULO de la serie TAKE OFF YOUR SHOES (pintura acrílico sobre lienzo y sobre tabla), 2009. Courtesy: Galería Álvaro Alcázar, Madrid.

 

La serie de obras que Javier Garcerá (Puerto Sagunto, Valencia, 1967) presenta en la exposición Take off your shoes, en la madrileña galería Álvaro Alcázar, es un ciclo de pinturas, impactantes y seductoras, que podríamos definir “tecno-divisionistas”.

Se trata de una decena de cuadros, de gran formato sobre lienzo y tabla, en los que el artista – a través de un uso fragmentado, casi mecánico, del color acrílico y una presencia a menudo importante del negro – nos invita a entrar en una dimensión “segunda” con respecto a la realidad en la que vivimos, o en la que tal vez sólo creemos vivir.

Las obras se presentan como enormes pantallas que parecen transmitir frames congelados procedentes de un universo de espacios y momentos “otros” e indescifrables. Los que vemos son lugares (interiores de habitaciones, paisajes, etc.) algo familiares, pero que desorientan a la vez que sugieren. Frente a esta meta-realidad apenas reconocible las coordenadas convencionales de nuestra percepción se hallan limitadas, generando dudas acerca de lo que estamos observando. Continue reading

Mikosa Retrospective


Mikosa Retrospective: Galería miscelänea, c/ Guardia 10, Barcelona.

Inauguración Miércoles 25 de Noviembre a las 20h: Performance “Plastik Joy” con visuales de “TwoThings for Mikosa”. Hasta el 06 de Diciembre 2009.    

      

        

Mikosa Foundation es una fundación creada en Amsterdam en el 2005 por los artistas Morcky, The Boghe, Lordh y GLGP a fin de sustentar nuevas ideas y difundir la libre expresión de artistas emergentes en el panorama contemporáneo. Mikosa incita abiertamente a la relación transversal, al feedback y a la “contaminación” entre los artistas. A través de su revista, Mikosa Magazine, la fundación pretende hacer dialogar artistas procedentes de distintas partes del mundo con estilos, géneros y lenguajes visuales diferentes, que van del graffiti al internet design, del dibujo a la pintura, de la escultura a la caligrafía, del videoarte a la animación etc.     

     

En esta primera retrospectiva dedicada al proyecto Mikosa, que la galería miscelänea presenta en Barcelona hasta el próximo día 6 de Diciembre, se expondrán todos los dibujos creados a lo largo de estos cuatro años para la revista. Además, el dúo de artistas italianos Twothings (alias Morcky & TheBoghe, fundadores de Mikosa) presentarán una instalación pictórica realizada ad hoc para la ocasión y unas animaciones visuales que inaugurarán el evento junto con la music performance del dj Plastik Joy.     

   

Por sus procedencias y formación, los artistas de Mikosa Foundation tienen una vocación para hacer intervenciones sobre grandes paredes y muros urbanos. Sus intervenciones tienden a valorizar las estructuras de los espacios y el genius loci de cada contexto concreto. Han pintado grandes murales en varias ciudades del mundo, combinando el graffiti con trabajos escultóricos y otras formas de intervención site specific. Mikosa Foundation suele realizar eventos artísticos complejos según una visión orgánica y multimedial del arte. De hecho, los participantes del proyecto están convencidos de que la experiencia artística se configura como un evento global, en el que actividades de naturaleza distinta se funden y confunden en una única situación. Mikosa ofrece a los artistas la oportunidad de enseñar sus trabajos individuales o bien colectivos entrelazando relaciones con galerías, tanto en Holanda como en otros países, tratando de alcanzar una difusión global… Continue reading

Francesco Lo Savio. Geometría. Espacio. Luz


Francesco Lo Savio. Exposición retrospectiva sobre Francesco Lo Savio: MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía). Edificio Sabatini, c/ Santa Isabel, 52. Madrid. Comisario: Daniel Soutif. Hasta el 11 de enero 2010. 

 

Francesco Lo Savio en su estudio, 1960. Fotografía B/n, 18×24 cm. Colección Particular. Courtesy: MNCARS, Madrid.
 

Por su biografía pirandellesca e inquieta y por sus logros artísticos extraordinarios – llevados a cabo en un arco de tiempo excepcionalmente breve y prolífico – Francesco Lo Savio (Roma, 1935 – Marsella, 1963) es sin duda uno de aquellos artistas que se suelen definir “de culto”.

Hermano del artista pop italiano Tano Festa, Lo Savio fue precursor de un uso radical de las formas elementales que anticipó muchos de los tópicos del minimal norteamericano. A través de una labor esencial y rigurosa, experimentó en profundidad su interés por la pintura, la escultura y la arquitectura, encontrando una original formula estética, que se valía de los materiales, de la luz y del espacio en tanto que elementos constitutivos de una obra de arte concibida a partir de la “contaminación” entre sugestión cromática, estructuración plástica y dimensión racional-geométrica. Sólo después de su muerte, voluntaria y prematura, obtuvo el merecido reconocimiento por parte de la crítica y del mercado.

Esta exposición, que el Museo Reina Sofía dedica por primera vez en España a Lo Savio (artista hasta ahora prácticamente desconocido en este País) constituye una oportunidad fundamental para apreciar su importancia dentro del panorama creativo de la segunda mitad del siglo XX. Se presentan más de cien obras seleccionadas por el curador Daniel Soutif y realizadas durante el periodo más intenso de la producción artística de Lo Savio. Se trata de cuadros, esculturas, proyectos, apuntes y material de documentación difícilmente visibles en otras ocasiones, ya que proceden en gran parte de colecciones particulares e instituciones privadas, como las galerías Gariboldi y Christian Stein o la Collezione Prada de Milán… Continue reading

La estética del error de Hisae Ikenaga


Sistema métrico/Malformaciones. Exposición personal de Hisae Ikenaga: Galería Formato Comodo. C/ Lope de Vega, 5 Madrid. Hasta el 12 de Diciembre de 2009.

Serie Malformaciones: Sofá (2009)

Hisae Ikenaga, Serie Malformaciones: Sofá, 2009. Courtesy: Galería Formato Comodo, Madrid.
 
Hisae Ikenaga, Serie Malformaciones: Libro siamés, 2009. Courtesy: Galería Formato Comodo, Madrid.
 
Hisae Ikenaga, Serie Malformaciones: Moto-avión, 2009. Courtesy: Galería Formato Comodo, Madrid.
 
Hisae-Ikenaga_Aislado 7
Hisae Ikenaga, Aislado 7, 2008. Courtesy: La Casa Encendida, Madrid. 

 

De Hisae Ikenaga (México D.F., 1977) siempre te esperas algo. Aunque no sepas qué. Y eso es lo bueno, ya que la originalidad de su obra se halla justo en su frescura y en una búsqueda continua de un punto de vista personal, provocativo, irónico, sorprendente. Sus piezas son pequeñas minas puestas debajo del sentido común de las cosas, es decir, debajo de aquellos puentes racionales de los que – cada vez más empujados por la urgencia – nos servimos todos a la hora de conectar, rápida, económica y eficientemente, los significados y los símbolos que manejamos a diario.

La minas de Ikenaga pueden estallar de un momento a otro, porque surgen de una aparente casualidad que subvierte toda expectativa lógica. Es más, justo en el momento en el que has pillado el truquillo, e intuyes más o menos lo que te puede esperar detrás de la próxima simbólica esquina del trayecto de tu pensamiento y de tu visión acorta de sus obras – justo allí – es donde ella te va a sorprender, una y otra vez; ofreciéndote, al mismo tiempo, un sinfín de estímulos sobre los que sigues razonando, a solas y por tu cuenta, una vez salido de la galería o del centro expositivo en donde la has encontrado. Continue reading

Objeto y contexto (jugar con Kounellis)


(publicado en soitu.es el día 19-10-2009)

Jannis Kounellis + Abierto x obras. Exposición personal de Jannis Kounellis en dos sedes: Galería Nieves Fernández. C/ Monte Esquinza, 25 Madrid + Matadero Madrid. Paseo de la Chopera, 14 Madrid. Hasta el 15 de Noviembre de 2009.

 
Jannis Kounellis, “Sin título”, 2009, materiales diferentes. Courtesy: Galería Nieves Fernández, Madrid.

 

Cuando, en 1969, Jannis Kounellis (Pireo, Atenas, 1936) presentó en Roma su celebre performance Senza titolo. Dodici cavalli vivi – en la que se exhibían doce caballos vivos atados a las paredes de la galería L’Attico – la puesta en duda de lo que sea lícito o no considerar arte y de cómo se deba “hacer” una obra (es decir, con cuáles premisas teóricas, recursos y límites) difícilmente podía resultar más explícita y contundente. El espacio expositivo; los animales; sus olores; sus rumores; sus movimientos; sus huellas y desechos contribuían a dar la vida a un “hecho” artístico radical a través del cual la realidad y la naturaleza entraban de manera impetuosa en el mundo del arte, violando una vez más su sagralidad, sus presupuestos elitistas, sus “santuarios” e intentando dar el posible golpe de gracia a la tradición de la representación; a sus lógicas y procesos. Aquel evento legendario representó sin duda uno de los “cortes” materiales y simbólicos más detonantes de la segunda mitad del siglo XX, aportando una contribución importante a la redefinición de la manera de entender y de producir el arte contemporáneo. Continue reading

Confundirse, esconderse o perderse


(publicado en soitu.es el día 15-10-2009)

Camuflajes. Exposición colectiva. La Casa Encendida. Ronda de Valencia, 2 Madrid. Comisarios: Maite Méndez Baiges y Pedro Pizarro. Hasta el 1 de Noviembre de 2009.

Francesca Woodman, “Untitled”, 1980, Silver Gelatin Print, Courtesy: La Casa Encendida, Madrid.

Confusión y mímesis son dos de los rasgos más típicos de nuestra época actual. Tanto en las formas como en los discursos. Quizá sea justo por ello, pues, que las más de sesenta obras que componen esta exposición en La Casa Encendida de Madrid nos resultan (en general) tan familiares y divertidas a la vez. Esto es, básicamente, porque las sentimos excepcionalmente cercanas y las entendemos sin falta de un gran esfuerzo. Espejos de una realidad contemporánea que a veces nos desorienta – otras veces nos asombra o preocupa, pero también nos fascina y seduce – estas obras abordan el tema del camuflaje en sus múltiples facetas, concretas y metafóricas. Es decir, en tanto que posible conducta de defensa conciente (vía de huida) a fin de sobrevivir, pasando desapercibidos (como en el mundo animal); como sufrida e indeseada condición de deshumanización, consecuencia nefasta de fenómenos – incomunicabilidad, alienación, estandardización, conformismo etc. – que, hoy más que nunca, amenazan con aniquilar nuestra identidad subjetiva dentro del mare magnum de la globalización material y simbólica; o bien como aspiración a conformarse con un “fondo” del que se quiere participar a toda costa. Continue reading

My name's Francesca Woodman


(publicado en soitu.es el día 06-10-2009)

Francesca Woodman. Autorretrato sin retoques. Exposición individual: Francesca Woodman. La Fábrica Galería. Calle Alameda, 9. MADRID. Hasta el 30 de Octubre de 2009.

Francesca Woodman, “Untitled, Rome, Italy, 1977-1978”, 1977-1978, Silver Gelatin Print, Courtesy: La Fábrica Galería, George and Betty Woodman.

Éste parece ser un año de gran promoción y reflexión, tanto en España como en el resto de Europa, sobre la vida y la obra de la fotógrafa norteamericana Francesca Woodman (Denver, 1958-New York, 1981). En los meses pasados el Espacio AV de Murcia le dedicó una importante retrospectiva, mientras que la Ingleby Gallery de Edimburgo presentó una selección de 27 obras anteriormente poseídas por el ex novio de la artista. En estos días una serie de fotografías se hallan expuestas en la colectiva Camuflajes en La Casa Encendida de Madrid. Hasta el 14 de noviembre podemos encontrar obras suyas en Artists Rooms de la Scottish National Gallery of Modern Art y, hasta el 10 de enero de 2010, 114 obras (algunas inéditas) se exponen en la muestra Francesca Woodman del Museo di Santa Maria della Scala en Siena (Italia). Continue reading

Imágenes de entropía


(publicado en soitu.es el día 17-08-2009 )

Entropías. Otros imaginarios, otros vacíos de lugar. (Exposición colectiva: Alejandro Garmendia, Xabier Idoate, Linarejos Moreno, José Ronco) Galería Rafael Pérez Hernando. Calle Orellana, 18. MADRID. Hasta el 12 de Septiembre de 2009.

Linarejos Moreno, “Matrices Familiares II”, 2008, Fotografía Lambda, dim. 121 x 151 cm. Courtesy of: Galería Rafael Pérez Hernando, Madrid.

Que la fotografía represente el lenguaje visual típico de la sociedad industrial y post-industrial y uno de los medios de documentación más difundidos en la época actual es algo bastante cierto (ya que, como nunca en la historia pasada, prácticamente al alcance de todos). Tal vez sea por la gran familiaridad que todo el mundo tiene – por lo menos en apariencia – con el lenguaje fotográfico, que resulta cada vez más fuerte la tentación de definir como “artísticas” muchas de las imágenes que a menudo disparamos con nuestras cámaras digitales y, a lo mejor, retocamos en fase de post-producción. Sin embargo, el arte de la fotografía contemporánea – como todo arte – es algo que implica un manejo excelente de una técnica compleja y requiere una dedicación absoluta y constante a la libre (a veces sufrida) creación de un personal lenguaje estético, hecho de imágenes “vivas”, que interactúan con nuestra intimidad. Es decir, con nuestras emociones; con nuestros sueños; con nuestros recuerdos; con nuestros deseos; con nuestra imaginación; con nuestra cultura e identidad. Continue reading

Fotografías de verdaderas historias falsas


(publicado en soitu.es el día 12-07-2009)

POLY-SPAM (Exposición individual de Cristina de Middel). Proyecto Arte Galería. C/ Fúcar, 12. Madrid. Hasta el 25 de Julio de 2009.

Cristina de Middel, “Alesia Atolevna”, 2008, Lambdaprint, 100X140 cm. Courtesy of: Galería Proyecto Arte, Madrid.

Recomiendo a quién pueda que no se pierda esta primera exposición individual de Cristina De Middel (Alicante, 1975) incluida en la programación del Festival Off de PHOTOESPAÑA ’09. Además de ofrecer momentos de goce estético, sus obras representan interesantes ejemplos de fotografía imaginativa, planteando inevitables reflexiones tanto sobre lo que consideramos habitualmente “realidad” y “ficción” como sobre el propio medio fotográfico y sus potencialidades “constructivas” en el ámbito artístico. Asimismo exploran una faceta más conceptual de la fotografía, relativa a la representación de lugares comunes y temas tópicos del imaginario colectivo contemporáneo y de sus mitos urbanos. Continue reading

A la velocidad de la luz


(publicado en soitu.es el día 26-05-2009)

El día que me murieron, MARÍA BUENO – Cuadros de Brasero, MIGUEL ÁNGEL BARBA. Galería Rafael Pérez Hernando. Calle Orellana, 18. MADRID. Hasta el 6 de Junio de 2009.

María Bueno, “El trenzado”, 2009, Acrílico sobre lienzo, 160×130 cm. Courtesy of: Galería Rafael Pérez Hernando

Un día – hace un par de años – un amigo pintor italiano me dijo (o por lo menos me acuerdo que me dijo) lo siguiente: «La característica implícita del arte es comunicar a través del lenguaje de las formas, sin tener que apoyarse en teorías o palabras. En tal caso perdería su fuerza, que está justo en el comunicar en directo, a la velocidad de la luz.» Me acordé de estas palabras nada más acercarme a los cuadros de María Bueno Castellano (Málaga, 1976) y de Miguel Ángel Barba (Ciudad Real, 1976), actualmente expuestos en la Galería Rafael Pérez Hernando de Madrid. De hecho, en ambos casos se trata de obras que comunican a “la velocidad de la luz”, sin dejar tiempo para pensar; para hacer comparaciones mentales o evaluaciones razonadas. Continue reading

Unguernica. Llega a Madrid el icono revisado de Ray Smith


(publicado en soitu.es el día 20-05-2009)

Ray Smith: Unguernica. Galería Álvaro Alcázar. Calle Hermosilla, 58. MADRID. Curador: Omar-Pascual Castillo. Hasta el 30 de Mayo de 2009.

Unguernica, Ray Smith, Óleo sobre lienzo, 203,1×731,52 cm. Courtesy of Galería Álvaro Alcázar, Madrid.

Después de haber presentado en España, entre 2006 y 2007, una retrospectiva itinerante con etapas en Barcelona, Granada e Islas Canarias, el artista tejano-mexicano Ray Smith Yturria (Brownswille, Texas, 1959) llega a Madrid con una exposición personal en la galería Álvaro Alcázar.

Las obras propuestas en esta ocasión homenajean explícitamente dos de las referencias más significativas de la trayectoria artística de Smith: Pablo Picasso y Salvador Dalí. Se trata de dos series de pinturas concebidas y realizadas desde una perspectiva “revisionista” de la historia del arte y de los tópicos del imaginario colectivo. De hecho, si en la serie Unguernica Smith reinterpreta y “actualiza” la obra quizás más célebre del pintor andaluz, revitalizando al mismo tiempo la tradición muralista mexicana, en los cincuenta “relojes-retratos” que componen L’Orologista él evoca la lección surrealista de Dalí y pone en duda nuestra noción convencional de “tiempo”. Continue reading

Visiones de paisajes


(publicado en soitu.es el día 11-05-2009)
 

You are the landscape (Exposición colectiva: Pablo Avendaño, Marga Garrido, José Pérez-Parada, Pierre Riollet). Proyecto Arte Galería. C/ Fúcar, 12. Madrid. Hasta el 10 de Junio de 2009.

Pablo Avendaño, Lignes de fuite n.1, 2009

Con un año y medio de vida, la galería madrileña Proyecto Arte sigue su camino apostando por artistas jóvenes y menos conocidos. En los meses pasados nos propuso tímidamente algunas exposiciones de interés, como la individual I Get Around, dedicada, de septiembre a octubre de 2008, a la artista sueca Ulrika I.K. Andersson (Malmö, 1981). Ahora, en la nueva colectiva You are the landscape, presenta obras de cuatro artistas acomunados por el interés por el paisaje y por una relación creativa muy estrecha con la fotografía en cuanto medio, al mismo tiempo, de captación y de construcción de la realidad. Las obras que componen la muestra aproximan de diferentes maneras el contexto (natural o artificial ) y la subjetividad del artista, su interiorioridad y su personal percepción del mundo. Se trata, esto es, de “cortes de la realidad” híbridos y complejos: cortes que “expresan” a la vez que “representan”, planteando cuestiones actuales sobre la interacción creativa entre fotografía y pintura. Continue reading