Elke Boon y la ambigua rebelión de la fragilidad.


STITCHES AND IMAGES: Exposición personal de Elke Boon. Camara Oscura Galería de Arte. c/ Alameda, 16, 1º B. Madrid. Comisario: Frederick de Preester. Hasta el 22 de mayo de 2010.

Con el artículo “Elke Boon y la ambigua rebelión de la fragilidad” (crítica de la actual exposición de la joven artista belga Elke Boon en la galería Camara Oscura de Madrid) empezamos una colaboración con el sitio amigo Submergentes.org.

Aquí va el link al artículo, espero que os guste…

Elke Boon y la ambigua rebelión de la fragilidad.

Foto: Elke Boon, IBBE, 1997. C-Print, dibond. 80×96 cm. Edición: 5+2 PA. Courtesy: Galería camara oscura. Madrid.
 

Foto: Elke Boon, FLORE&LOTTE, 2009. C-Print, dibond. 35×52 cm. Edición: 5+2 PA. Courtesy: Galería camara oscura. Madrid.

 

VIDEOS DE ELKE BOON:

1.Liam – Elke Boon (2007)

2.Playing dead (2 fragments) – Elke Boon (2009)

3.OLGA ‘Nel cuor più non mi sentoQT med – Elke Boon (2008)

Artículos correlatos:

El himno a la alegría de Álvaro Tamarit


BOSQUE RECONSTRUIDO: Exposición personal de Álvaro Tamarit. Galería Arana Poveda-Proyecto Arte. C/ Fúcar, 12. Madrid. Hasta el 22 de Abril de 2010.

Alvaro Tamarit, FACTORIA DE EXTRACCIÓN DE OXIGENO. Courtesy: Álvaro Tamarit, Proyecto Arte Galería. Madrid

El futuro depende de nuestra creatividad. Da igual que seamos artistas o no. Nuestro futuro está en nuestras manos, ya que depende, en gran medida, de cómo seamos capaces de imaginarlo. Es decir, depende de nuestras ganas de vivir y de dar sentido a las cosas; de buscar, descubrir, hacer, deshacer y volver a hacer. De querer encontrar. En fin, de inventar. Dicho en otras palabras, depende de cuánto seamos capaces de ver el mundo de una manera diferente y de darle a los objetos, a los conceptos y a los contextos una vida nueva. Una forma distinta.

Estas premisas filosóficas y estéticas – deconstructoras y visionarias a la vez – parecen estar a la base de las obras que Álvaro Tamarit (Xàbia, Alicante, 1976) presenta por primera vez en Madrid en esta exposición en la galería AranaPoveda-Proyecto Arte. Desde su apertura (hace tres años) esta galería ha siempre apostado por artistas jóvenes e interesantes. Y Tamarit no hace excepción a esta regla.

Escultor por vocación, el artista alicantino expone acerca de veinte piezas realizadas entre 2007 y 2010. Se trata de obras bellas y divertidas, cuyos formatos, materiales y técnicas varían bastante. Se va, por ejemplo, desde una obra, como Casa biblioteca, en la que los libros y la madera se encuentran perfectamente combinados con una pesadísima estructura de hormigón, hasta esculturas parecidas a juguetes artesanales, pasando por fotocollage analógicos sobre tabla, muy agradables a la vista, en los que, en ocasiones, el artista introduce también partes de dibujos y pinturas. A pesar de ser obras bidimensionales, estos cuadros siguen manteniendo un importante componente escultórico, tanto por su concepción como por el proceso que el artista utiliza al montar personalmente las tablas y al ensamblar los diferentes elementos de la composición. Continue reading

El himno a la alegría de Álvaro Tamarit.


BOSQUE RECONSTRUIDO: Exposición personal de Álvaro Tamarit. Galería Arana Poveda-Proyecto Arte. C/ Fúcar, 12. Madrid. Hasta el 22 de Abril de 2010.

Alvaro Tamarit, FACTORIA DE EXTRACCIÓN DE OXIGENO. Courtesy: Álvaro Tamarit, Proyecto Arte Galería. Madrid

El futuro depende de nuestra creatividad. Da igual que seamos artistas o no. Nuestro futuro está en nuestras manos, ya que depende, en gran medida, de cómo seamos capaces de imaginarlo. Es decir, depende de nuestras ganas de vivir y de dar sentido a las cosas; de buscar, descubrir, hacer, deshacer y volver a hacer. De querer encontrar. En fin, de inventar. Dicho en otras palabras, depende de cuánto seamos capaces de ver el mundo de una manera diferente y de darle a los objetos, a los conceptos y a los contextos una vida nueva. Una forma distinta.

Estas premisas filosóficas y estéticas – deconstructoras y visionarias a la vez – parecen estar a la base de las obras que Álvaro Tamarit (Xàbia, Alicante, 1976) presenta por primera vez en Madrid en esta exposición en la galería AranaPoveda-Proyecto Arte. Desde su apertura (hace tres años) esta galería ha siempre apostado por artistas jóvenes e interesantes. Y Tamarit no hace excepción a esta regla.

Escultor por vocación, el artista alicantino expone acerca de veinte piezas realizadas entre 2007 y 2010. Se trata de obras bellas y divertidas, cuyos formatos, materiales y técnicas varían bastante. Se va, por ejemplo, desde una obra, como Casa biblioteca, en la que los libros y la madera se encuentran perfectamente combinados con una pesadísima estructura de hormigón, hasta esculturas parecidas a juguetes artesanales, pasando por fotocollage analógicos sobre tabla, muy agradables a la vista, en los que, en ocasiones, el artista introduce también partes de dibujos y pinturas. A pesar de ser obras bidimensionales, estos cuadros siguen manteniendo un importante componente escultórico, tanto por su concepción como por el proceso que el artista utiliza al montar personalmente las tablas y al ensamblar los diferentes elementos de la composición. Continue reading

El año del rey David – por Miguel Calzada


LETRAS QUE SUENAN

David Bowie-The rise and fall of Ziggy Stardust & the Spiders from Mars – Grabado en los Trident Studios (Londres), entre noviembre de 1971 y enero de 1972. Producido por David Bowie.

  1. Five years  –  2. Soul love 
  3. Moonage daydream 
  4. Starman –  5. It ain’t easy
  6. Lady Stardust –   7. Star 
  8. Hang on to yourself   
  9. Ziggy Stardust    10. Suffragette city    
 11. Rock and roll suicide  

 

Lou Reed-Transformer – Grabado en los Trident Studios (Londres) en agosto de 1972. Producido por David Bowie y Mick Ronson. 

   1. Vicious  –   2. Andy’s chest
   3. Perfect day
   4. Hangin’ round
   5. Walk on the wild side
   6. Make up –    7. Satellite of love
   8 . Wagon Wheel
   9. New York telephone conversation
   10.I’m so free –  11.  Goodnight ladies

 

EL AÑO DEL REY DAVID

(por Miguel Calzada)

 

El corazón de Joseph Romano palpitaba a 72 pulsaciones por minuto. Era un levantador de pesas habituado a cargar sobre sus espaldas más de 400 kilos. Era un judío de Libia que no hablaba hebreo. Lucía gruesas patillas y con sus compañeros del equipo olímpico usaba el inglés. Eran las cinco de la madrugada del 5 de septiembre de 1972 y el corazón de Joseph Romano palpitaba a 72 pulsaciones. Había ido a cenar y a emborracharse a un restaurante. Cuando llegó a la villa olímpica, los ocho terroristas de Septiembre Negro estaban entrando en el apartamento que compartía junto a otros 19 atletas israelíes. Romano, envalentonado por el alcohol y por los músculos de sus brazos, se lanzó sobre uno de los terroristas e intentó quitarle la metralleta. Pero el judío de Libia que podía levantar más de 400 kilos falló. Le pegaron un tiro en el pecho y su corazón dejó de palpitar para siempre.

-Quiero ser un ángel, quiero que me adoren, quiero ser una estrella del rock, lloriqueaba Lou.

-Grabaremos un disco que te cambiará la vida como tú me la cambiaste a mí, chico, le respondía el rey David.

-Quiero que tenga arreglos de cuerda.

-Y yo quiero que cantes como si estuvieras en Nueva York.

-Lo único que recuerdo de Nueva York es una noche en París.

-Lo sé.

El rey David había aterrizado en nuestro planeta en uno de los inviernos más fríos que se recuerdan. En Londres no había nieve, pero el frío estropeaba los amplificadores de los Trident Studios, en el Soho, donde los Beatles habían grabado Hey Jude. El rey David se manifestó a los creyentes a principios de ese verano, con un disco en el que se bautizaba como Ziggy Stardust. El Mesías se lo explicó claramente a su Juan Bautista particular: William Seward Burroughs, autor de Yonqui, Marica y El almuerzo desnudo:

-Mira William, quedan cinco años para el fin del mundo. Cinco años para que un agujero negro se abra sobre nuestras cabezas y deje paso al hombre de las estrellas. De eso va el disco. El hombre de las estrellas tendrá que matarme, pero nos salvará. Me matará a mí y nos salvará a todos. Soy un marciano, William, ¿no lo sabías?

 

Pero Burroughs lo sabía, claro que lo sabía. ¿Cómo no iba a saberlo? En 1951 estaba en México, en mitad de una fiesta desbocada, poseído por la flor del tequila, y había pedido a su mujer que se colocase un vaso de whisky sobre la cabeza para intentar acertarlo con la pistola. Dispararía desde lejos y, como Guillermo Tell, saldría triunfante. Pero un ángel siniestro sobrevoló la fiesta y Burroughs falló. Mató de un tiro en la cabeza a su propia mujer, ¿puedes creerlo?

-Eres un marciano, rey David, le dijo Will.

-Oh, sí que lo soy. Estuve en el mercado y los vi llorar. Y no tenía sitio en mi cabeza para todos. Me dolía la cabeza, Will, Bill, Old Bull Lee, como quiera que te llames, Seward, Alien, Exterminador de Cucarachas. Estuve en el mercado y el chico de los periódicos gritaba que nos quedaban cinco años. Cinco años, Bill. Y la vi en una heladería, ya sabes, bebiendo un batido. Estaba guapa y sorbía de la pajita sin saber que iba a estar en esta canciónContinue reading

La interzona escultórica de Conrad Shawcross y el co-marketing de Muji


THE LIMIT OF EVERYTHING. Exposición personal de Conrad Shawcross – I GOT A BREAK BABY…. Proyecto colectivo en colaboración con MUJI. Galería Pilar Parra & Romero. C/ Conde de Aranda, 2. Madrid. Hasta el 14 April de 2010.

Conrad Shawcross, SLOW ARC IN A CUBE II, 2008, light, steel, motors, 93 x 93 x 140 cm. © Photo by: Mariano C. Peuser. Installation Galerie Emmanuel Perrotin, Miami. Courtesy: Victoria Miro Gallery, London.

 

La obra de Conrad Shawcross (Londres, 1977) – presentada por primera vez en un espacio privado español en esta exposición en la galería Pilar Parra & Romero de Madrid – se mueve en aquella zona de las artes actuales en la que confluyen el arte cinético, el arte conceptual, la instalación y la escultura material y de luz. Se trata de una labor de carácter híbrido en la que los objetos y el espacio desempeñan un papel fundamental en la creación tanto de esculturas estáticas como de las típicas máquinas en movimiento de Shawcross.

Valiéndose de la célebre categoría estética burroughsiana, la obra de Shawcross se podría definir como interzona escultórica. En sus escritos críticos y literarios – que tanta influencia tuvieron en la definición de la estética post-moderna y “multi-sensorial” – William S. Burroughs había definido Interzone aquel lugar mental y narrativo en el que las conexiones asociativas del lector se encuentran interrumpidas por la práctica del cut-up, de tal manera que el propio lector se convierte de pasivo consumidor de las ideas de los demás en artífice de su propio conocimiento autónomo, rompiendo los límites convencionales y abriendo horizontes inimaginables de libertad y opciones posibles. En este sentido, su obra se configura como un himno solemne a la individualidad y a la libre construcción de los significados de la realidad. Continue reading

La interzona escultórica de Conrad Shawcross y el co-marketing de Muji.


THE LIMIT OF EVERYTHING. Exposición personal de Conrad Shawcross – I GOT A BREAK BABY…. Proyecto colectivo en colaboración con MUJI. Galería Pilar Parra & Romero. C/ Conde de Aranda, 2. Madrid. Hasta el 14 April de 2010.

Conrad Shawcross, SLOW ARC IN A CUBE II, 2008, light, steel, motors, 93 x 93 x 140 cm. © Photo by: Mariano C. Peuser. Installation Galerie Emmanuel Perrotin, Miami. Courtesy: Victoria Miro Gallery, London.

 

La obra de Conrad Shawcross (Londres, 1977) – presentada por primera vez en un espacio privado español en esta exposición en la galería Pilar Parra & Romero de Madrid – se mueve en aquella zona de las artes actuales en la que confluyen el arte cinético, el arte conceptual, la instalación y la escultura material y de luz. Se trata de una labor de carácter híbrido en la que los objetos y el espacio desempeñan un papel fundamental en la creación tanto de esculturas estáticas como de las típicas máquinas en movimiento de Shawcross.

Valiéndose de la célebre categoría estética burroughsiana, la obra de Shawcross se podría definir como interzona escultórica. En sus escritos críticos y literarios – que tanta influencia tuvieron en la definición de la estética post-moderna y “multi-sensorial” – William S. Burroughs había definido Interzone aquel lugar mental y narrativo en el que las conexiones asociativas del lector se encuentran interrumpidas por la práctica del cut-up, de tal manera que el propio lector se convierte de pasivo consumidor de las ideas de los demás en artífice de su propio conocimiento autónomo, rompiendo los límites convencionales y abriendo horizontes inimaginables de libertad y opciones posibles. En este sentido, su obra se configura como un himno solemne a la individualidad y a la libre construcción de los significados de la realidad. Continue reading

El videoarte expandido de Doug Aitken


THE MOMENT. Videoinstalación multicanal de Doug Aitken: Nave 16 – Matadero Madrid. Paseo de la Chopera, 14. Madrid. (Organización: Regen Projects y Matadero Madrid). Hasta el 21 de Marzo.

Foto: The Moment. © Doug Aitken. Courtesy: Matadero Madrid, Galería Regen Projects (L.A.), 303 Gallery (New York), Galería Eva Presenhuber (Zurich), Galería Victoria Miro (Londres). 2010.

 

Si alguien (al igual que quien escribe) hace unas semanas tenía la remota esperanza de ver en el ámbito de ARCO 2010 algo relevante sobre la actual producción artística de Los Angeles, y finalmente se ha quedado decepcionado – ya que lo muy poco expuesto ha resultado, en resumidas cuentas, francamente perdible – tiene una oportunidad para hacerse por lo menos una idea sobre lo que procede de esa ciudad, y concretamente sobre la obra de uno de los videoartistas más geniales y trascendentes del panorama internacional. Me refiero a la magnífica videoinstalación The Moment de Doug Aitken (Redondo Beach, CA, 1968), actualmente expuesta en la Nave 16 del Matadero de Madrid.

La exposición – organizada por el Matadero en colaboración con la galería Regen Projects de L.A. – valoriza plenamente los aspectos más típicos de la producción reciente del artista norteamericano. Esto es: la aproximación “expandida” al videoarte, que le lleva a crear contextos multimedia en los que las imágenes se “disuelven” en la atmosfera impactante de una ambientación visual, sonora y arquitectónica llena de sugerencias emocionales y conceptuales; la fragmentación narrativa, que rompe la superficie de proyección convencional, a través de una multi-visión compleja, rítmica y vívida, de imágenes en distintas pantallas; la plasmación del elemento sonoro, en tanto elemento sustancial e imprescindible (no meramente accesorio) de la obra; la dimensión performativa de la videoinstalación, que induce el espectador a moverse físicamente alrededor de las pantallas en la tentativa vana de recomponer un punto de vista único definitivamente superado. Continue reading

El videoarte expandido de Doug Aitken.


THE MOMENT. Videoinstalación multicanal de Doug Aitken: Nave 16 – Matadero Madrid. Paseo de la Chopera, 14. Madrid. (Organización: Regen Projects y Matadero Madrid). Hasta el 21 de Marzo.

Foto: The Moment. © Doug Aitken. Courtesy: Matadero Madrid, Galería Regen Projects (L.A.), 303 Gallery (New York), Galería Eva Presenhuber (Zurich), Galería Victoria Miro (Londres). 2010.

 

Si alguien (al igual que quien escribe) hace unas semanas tenía la remota esperanza de ver en el ámbito de ARCO 2010 algo relevante sobre la actual producción artística de Los Angeles, y finalmente se ha quedado decepcionado – ya que lo muy poco expuesto ha resultado, en resumidas cuentas, francamente perdible – tiene una oportunidad para hacerse por lo menos una idea sobre lo que procede de esa ciudad, y concretamente sobre la obra de uno de los videoartistas más geniales y trascendentes del panorama internacional. Me refiero a la magnífica videoinstalación The Moment de Doug Aitken (Redondo Beach, CA, 1968), actualmente expuesta en la Nave 16 del Matadero de Madrid.

La exposición – organizada por el Matadero en colaboración con la galería Regen Projects de L.A. – valoriza plenamente los aspectos más típicos de la producción reciente del artista norteamericano. Esto es: la aproximación “expandida” al videoarte, que le lleva a crear contextos multimedia en los que las imágenes se “disuelven” en la atmosfera impactante de una ambientación visual, sonora y arquitectónica llena de sugerencias emocionales y conceptuales; la fragmentación narrativa, que rompe la superficie de proyección convencional, a través de una multi-visión compleja, rítmica y vívida, de imágenes en distintas pantallas; la plasmación del elemento sonoro, en tanto elemento sustancial e imprescindible (no meramente accesorio) de la obra; la dimensión performativa de la videoinstalación, que induce el espectador a moverse físicamente alrededor de las pantallas en la tentativa vana de recomponer un punto de vista único definitivamente superado. Continue reading

Como una bola de cañón – por Miguel Calzada


Letras que suenan

Con el magnífico musicuento inédito Como una bola de cañón estrenamos la nueva sección del blog “LETRAS QUE SUENAN”, por Miguel Calzada.

En palabras de Miguel: «Los discos suenan en el altavoz, las letras en tu cabeza. Las notas son almas perdidas en busca de una historia. Las almas que leen y escuchan sólo quieren perderse».

Buena lectura…

 

Somethin’ Else; Grabado el 9 de marzo de 1958 en Hackensack (NJ).

  1. Autumn leaves (Joseph Kosma / Jacques Prevert)
  2. Love for sale (Cole Porter)
  3. Somethin’ else (Miles Davis)
  4. One for Daddy-O (Nat Adderley)
  5. Dancing in the dark (Arthur Schwartz / Howard Dietz)
  6. Bangoon – Alison’s uncle (Hank Jones)

 

Julian Cannonball Adderley: Saxo alto.

Miles Davis: Trompeta.

Art Blakey: Batería.

Hank Jones: Piano.

Sam Jones: Bajo.

Producido por Alfred Lion. Sonido: Rudy Van Gelder. Blue Note Records.

 

COMO UNA BOLA DE CAÑÓN

(Miguel Calzada)

El gordo Cannonball engullía el almuerzo sin saber si era día o noche, primavera o invierno, domingo o sábado. Bastaba con que su saxo siguiese afinado en mi bemol y con que Miles no perdiese la cabeza. El flaco Miles, el hijo del dentista, el genio de humor cambiante que fumaba en el baño mientras los chicos bromeaban.

Era de día, era invierno, era domingo y no volvería a repetirse. Aquel quinteto no grabaría ninguna otra sesión en el estudio de Prospect Avenue, en Hackensack, New Jersey. Pero el gordo Cannonball no lo sabía y se limitaba a engullir el almuerzo y vigilar la puerta del baño, vigilar al hijo del dentista.

Todos se conocían. Art Blakey era un heroinómano de callo curtido y temple a prueba de abstinencias. Estaba allí por ser íntimo del flaco Miles, porque acariciaba la batería como si fuese un ídolo pagano. Y porque había tocado con el enviado de Dios en la Tierra: Charlie Bird Parker. El gordo Cannonball se había traído a Sammy Jones, un amigo de la infancia, para que tocase el bajo. Y también a Hank Jones, hijo de reverendo baptista y pianista veterano. Eran cinco negros en un cuarto de estar de una casa de Hackensack, New Jersey, a 15 millas de Times Square.

Julian Adderley tenía 29 años y desde pequeño todos le llamaban Bala de Cañón, Cannonball. El chico comía demasiado, tenía unos carrillos hinchados y esféricos. Cannonball era lo que había quedado de Cannibal, su mote original. Era de Florida y llevaba tres años en Nueva York. Había sido director de orquesta en un instituto de Fort Lauderdale, la Venecia de AméricaContinue reading

ARCO 2010 – Top 15


Como era previsible,  la edición 2010 de ARCO está siendo, en general, bastante sottotono. Se nota cierta austeridad. Algo que no estaría mal de por sí. El problema es que la feria aparece cansada y con falta de motivación. La tensión entre organizadores y la general atmosfera de crisis, desde luego, no han ayudado.

Es mi opinión que hay unos cuantos problemas estrucutrales resumibles, en pocas palabras, en la falta de ambición y en la ausencia absoluta de un proyecto concreto de medio-largo plazo. En síntesis: falta una visión sobre lo que la propia feria quiere ser en el futuro. Y esto se traduce, como no, en el provincialismo que desde muchas partes se ha denunciado. En El Cultural de ayer Rocío de la Villa escribía: «Es más que probable que en la retina del visitante de ARCO quede una impresión colorista, algo comercial y kitsch».

Con respecto al año pasado han sido 23 menos las galerías estranjeras que han participado. En general, la parte dedicada a la ciudad de L.A. ha sido muy poca cosa. Tal vez había demasiada expectativa y la impresión es que la invitación, al final, no haya resultado muy atractiva. Dicho esto, todavía no se conocen los datos oficiales, así que habrá que esperar los próximos días para hacer balances más razonados y circunstanciados. A ver cómo irán finalmente las ventas y si los galeristas volverán a sus casas con caras un poco más relajadas. Todos estamos deseando conocer esos datos.

Naturalmente, como siempre, se han expuesto cosas interesantes y es en éstas que me he fijado; intentando jugar un poco con lo que he visto. He aquí una posible clasificación Top 15 totalmente personal, subjetiva y, por supuesto, discutible…

N.15: 

Eugenio Merino, Starway to heaven, 2009. Galería ADN. Barcelona.

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Ojos que excavan túneles. La fotografía de Pierre Gonnord


TERRE DE PERSONNE. Exposición personal de Pierre Gonnord: Sala Alcalá 31. C/ Alcalá, 31. Madrid. Comisario: Rafael Doctor Roncero. Hasta el 28 de Febrero.

ARMANDO, 2009. © Pierre Gonnord. Courtesy: Pierre Gonnord y Galería Juana de Aizpuru, Madrid.

 

En realidad, no habría mucho que escribir sobre la fotografía de Pierre Gonnord (Cholet, 1963). La pureza ética y formal de sus obras ya lo dice todo.

Para entender de lo que estoy hablando basta con ver los paisajes (fruto de su recientísimo trabajo) que acompañan la serie de retratos presentados en esta exposición curada por Rafael Doctor Roncero. Se trata de paisajes rurales, del norte de España y de Portugal, cuya belleza esencial habla por sí misma. Y eso que el paisaje es un tema fundamentalmente nuevo en el repertorio de Gonnord. Un tema que ha surgido de una exigencia nueva de desplazar la mirada artística del “hombre” a “su entorno”, a fin de fijar en imágenes aquellos elementos que conforman el medioambiente en el que, concretamente, trascurren las vidas de las personas retratadas y que marca signos indelebles en sus rostros tan peculiares.

 

INCENDIO VIII. 2009© Pierre Gonnord. Courtesy: Pierre Gonnord y Galería Juana de Aizpuru. Madrid.

La muestra propone al espectador una suerte de “dialógico” juego de espejos entre él y las acerca de cuarenta obras expuestas. De hecho, éstas, a la vez que le cuentan una historia, le interrogan sobre su propia “naturaleza” y su propia “cultura”. Se trata de imágenes (de gran formato) que retratan – como es habitual en la obra de Gonnord – mujeres y hombres en el interior de un estudio, con una solemnidad y un esmero estético comparables con los que adoptarían en su tiempo maestros de la pintura de este género (El Greco, Velázquez, Goya, Rembrandt etc.). Continue reading

Ojos que excavan túneles. La fotografía de Pierre Gonnord.


TERRE DE PERSONNE. Exposición personal de Pierre Gonnord: Sala Alcalá 31. C/ Alcalá, 31. Madrid. Comisario: Rafael Doctor Roncero. Hasta el 28 de Febrero.

ARMANDO, 2009. © Pierre Gonnord. Courtesy: Pierre Gonnord y Galería Juana de Aizpuru, Madrid.

 

En realidad, no habría mucho que escribir sobre la fotografía de Pierre Gonnord (Cholet, 1963). La pureza ética y formal de sus obras ya lo dice todo.

Para entender de lo que estoy hablando basta con ver los paisajes (fruto de su recientísimo trabajo) que acompañan la serie de retratos presentados en esta exposición curada por Rafael Doctor Roncero. Se trata de paisajes rurales, del norte de España y de Portugal, cuya belleza esencial habla por sí misma. Y eso que el paisaje es un tema fundamentalmente nuevo en el repertorio de Gonnord. Un tema que ha surgido de una exigencia nueva de desplazar la mirada artística del “hombre” a “su entorno”, a fin de fijar en imágenes aquellos elementos que conforman el medioambiente en el que, concretamente, trascurren las vidas de las personas retratadas y que marca signos indelebles en sus rostros tan peculiares.

 

INCENDIO VIII. 2009© Pierre Gonnord. Courtesy: Pierre Gonnord y Galería Juana de Aizpuru. Madrid.

La muestra propone al espectador una suerte de “dialógico” juego de espejos entre él y las acerca de cuarenta obras expuestas. De hecho, éstas, a la vez que le cuentan una historia, le interrogan sobre su propia “naturaleza” y su propia “cultura”. Se trata de imágenes (de gran formato) que retratan – como es habitual en la obra de Gonnord – mujeres y hombres en el interior de un estudio, con una solemnidad y un esmero estético comparables con los que adoptarían en su tiempo maestros de la pintura de este género (El Greco, Velázquez, Goya, Rembrandt etc.). Continue reading

Dibujar para sentir. La enfermedad del mundo contemporáneo según Moisés Mahiques


Sweet Illness. Exposición personal de Moisés Mahiques: Espacio Proyectos – GALERÍA FERNANDO PRADILLA. C/ Claudio Coello, 20. Madrid. Hasta el 20 de Febrero.

 

Sex Happening Location, no.8. Dibujo y esmalte sobre papel. 150X150 cm, 2008. Courtesy: La Casa Encendida, Madrid. 

 

Que la (eterna) práctica del dibujo – por su sencilla y a la vez poderosa capacidad de tocar directa y espontáneamente las cuerdas más profundas y primordiales de la intimidad, independientemente de sus técnicas, soportes, dimensiones y temas tratados – siga gozando en la actualidad, en plena autonomía y en continua expansión, de un óptimo estado de salud dentro de aquel mare magnum que se suele denominar “arte contemporáneo” es algo hoy en día practicamente cierto. Y lo prueba la alta calidad de los más de treinta dibujos (de distintos tamaños, sobre papel y papel vegetal) realizados por Moisés Mahiques  (Quatretonda, 1976) y actualmente expuestos en el Espacio Proyectos de la Galería Fernando Pradilla de Madrid.

Se trata de la primera muestra individual en Madrid de este joven artista valenciano y representa una de las nuevas propuestas artísticas más interesantes en el panorama expositivo de la ciudad en estos comienzos de 2010. Presente en Arco desde 2005, Mahiques lleva más de una década exponiendo en individuales y colectivas tanto en España como por el mundo (Roma, Suzuka, New York etc.) y  recolectando reconocimientos (como la Mención de honor en Generación 2007 o el accésit al Premio ABC de Pintura y Fotografía del mismo año).

La exposición – titulada Sweet Illness – se compone de tres series distintas que evocan otros tantos escenarios en los que se manifiestan diferentes facetas de la enfermedad social del mundo contemporáneo: la sexualidad, en la serie Sex Happening Location; la violencia, en Violence Happening Location; las consecuencias nefastas, tanto a nivel medioambiental como a nivel psicológico, de los aspectos más deteriores de la sociedad industrial de consumo, en Disaster Happening Location. Continue reading

Dibujar para sentir. La enfermedad del mundo contemporáneo según Moisés Mahiques.


Sweet Illness. Exposición personal de Moisés Mahiques: Espacio Proyectos – GALERÍA FERNANDO PRADILLA. C/ Claudio Coello, 20. Madrid. Hasta el 20 de Febrero.

 

Sex Happening Location, no.8. Dibujo y esmalte sobre papel. 150X150 cm, 2008. Courtesy: La Casa Encendida, Madrid. 

 

Que la (eterna) práctica del dibujo – por su sencilla y a la vez poderosa capacidad de tocar directa y espontáneamente las cuerdas más profundas y primordiales de la intimidad, independientemente de sus técnicas, soportes, dimensiones y temas tratados – siga gozando en la actualidad, en plena autonomía y en continua expansión, de un óptimo estado de salud dentro de aquel mare magnum que se suele denominar “arte contemporáneo” es algo hoy en día practicamente cierto. Y lo prueba la alta calidad de los más de treinta dibujos (de distintos tamaños, sobre papel y papel vegetal) realizados por Moisés Mahiques  (Quatretonda, 1976) y actualmente expuestos en el Espacio Proyectos de la Galería Fernando Pradilla de Madrid.

Se trata de la primera muestra individual en Madrid de este joven artista valenciano y representa una de las nuevas propuestas artísticas más interesantes en el panorama expositivo de la ciudad en estos comienzos de 2010. Presente en Arco desde 2005, Mahiques lleva más de una década exponiendo en individuales y colectivas tanto en España como por el mundo (Roma, Suzuka, New York etc.) y  recolectando reconocimientos (como la Mención de honor en Generación 2007 o el accésit al Premio ABC de Pintura y Fotografía del mismo año).

La exposición – titulada Sweet Illness – se compone de tres series distintas que evocan otros tantos escenarios en los que se manifiestan diferentes facetas de la enfermedad social del mundo contemporáneo: la sexualidad, en la serie Sex Happening Location; la violencia, en Violence Happening Location; las consecuencias nefastas, tanto a nivel medioambiental como a nivel psicológico, de los aspectos más deteriores de la sociedad industrial de consumo, en Disaster Happening Location. Continue reading

Sociología del arte y arte sociológico


Giacomo Balla, Dinamismo di un cane al guinzaglio, 1912. New York, The Museum of Modern Art (MoMA).

 

Se podría afirmar que, desde hace por lo menos un siglo y medio – esto es, a partir de las inquietudes estéticas realistas de mediados del siglo XIX – haya ido desarrollándose cierta dimensión implícitamente sociológica de las prácticas artísticas. Me refiero a aquella visión del arte como hecho consciente de interacción crítica y “deconstructora” con respecto a la realidad social; o – dicho de otra forma – como lugar material y simbólico dentro del cual desplegar un discurso público y expresar opciones concretas sobre las representaciones de la sociedad misma, sobre sus valores, significados y reglas poniendo en duda sus límites, presupuestos y convenciones. Cabe destacar, por ejemplo, la importancia que, a lo largo de las últimas décadas, se ha atribuido a temas artísticos de carácter social como la identidad, la otredad, la diferencia, el género, la etnia, la generación, la procedencia geográfica, las minorías, las subculturas etc.

Cuanto dicho resulta muy evidente si consideramos algunas formas concretas de arte emergente, como el street art: etiqueta que, en realidad, suena hoy en día bastante reductiva, ya que abarca manifestaciones artísticas muy distintas entre sí que han salido varias veces de la calle para ingresar en los lugares del mainstream del sistema del arte contemporáneo (museos, galerías, casas de subastas, manuales de historia del arte etc.). Es, éste, el caso, por ejemplo, de artistas como K. Haring, J.M. Basquiat, R. Pettibon, Banksy, Os Gêmeos etc. A propósito del arte callejero, Johannes Stahl habla de obras que surgen del deseo de ejercer un «derecho estético sobre el espacio público».[1] Continue reading

Sociología del arte y arte sociológico.


Giacomo Balla, Dinamismo di un cane al guinzaglio, 1912. New York, The Museum of Modern Art (MoMA).

 

Se podría afirmar que, desde hace por lo menos un siglo y medio – esto es, a partir de las inquietudes estéticas realistas de mediados del siglo XIX – haya ido desarrollándose cierta dimensión implícitamente sociológica de las prácticas artísticas. Me refiero a aquella visión del arte como hecho consciente de interacción crítica y “deconstructora” con respecto a la realidad social; o – dicho de otra forma – como lugar material y simbólico dentro del cual desplegar un discurso público y expresar opciones concretas sobre las representaciones de la sociedad misma, sobre sus valores, significados y reglas poniendo en duda sus límites, presupuestos y convenciones. Cabe destacar, por ejemplo, la importancia que, a lo largo de las últimas décadas, se ha atribuido a temas artísticos de carácter social como la identidad, la otredad, la diferencia, el género, la etnia, la generación, la procedencia geográfica, las minorías, las subculturas etc.

Cuanto dicho resulta muy evidente si consideramos algunas formas concretas de arte emergente, como el street art: etiqueta que, en realidad, suena hoy en día bastante reductiva, ya que abarca manifestaciones artísticas muy distintas entre sí que han salido varias veces de la calle para ingresar en los lugares del mainstream del sistema del arte contemporáneo (museos, galerías, casas de subastas, manuales de historia del arte etc.). Es, éste, el caso, por ejemplo, de artistas como K. Haring, J.M. Basquiat, R. Pettibon, Banksy, Os Gêmeos etc. A propósito del arte callejero, Johannes Stahl habla de obras que surgen del deseo de ejercer un «derecho estético sobre el espacio público».[1] Continue reading

Break navideño


Querid@s,

llegan las fiestas y el blog se toma un pequeño descanso.

Con sólo dos meses de vida, ya hemos tenido más de 2.800 visitas.

Gracias a tod@s de veras.

Sé muy bien que el tiempo es un recurso cada vez más finito. Por esto considero vuestros clicks algo muy preciado.

A partir de Enero volverán nuevos posts sobre los temas habituales, que espero no os defraudarán.

Mientras tanto, os invito a escribir comentarios, propuestas y/o sugerencias para que – gracias a vuestro feedback – el blog esté cada vez más cerca de vuestras exigencias de lectores.   

Que tengáis felices días!

Un abrazo,

Nicola

 

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Nicola

TwoThings: Morcky & The Boghe


TwoThings es el nombre colectivo del dúo de artistas italianos Morcky (Marco Galmacci, Perugia, 1975) y The Boghe (Rocco Pezzella, Perugia, 1975), residentes en Ámsterdam.  

 

 

 TwoThings, Pioneers, 2009. Courtesy: GoGallery, Amsterdam.

 

Morcky & The Boghe trabajan juntos desde hace casi veinte años. Tienen intereses complementarios y su labor se halla en una zona híbrida de confluencia cross over que aborda distintas disciplinas, como el dibujo, el graffiti, el diseño, la ilustración, el cómic, la pintura, la escultura, la instalación, la animación, el vídeo, la performance etc. Empezaron siendo writers adolescentes en la pequeña ciudad de Perugia (en Italia central) y desde entonces han desarrollado sus propias formaciones e inquietudes de maneras distintas. Su bagaje técnico y creativo ha evolucionado a lo largo del tiempo a través de un proceso de enriquecimiento reciproco. Si por un lado The Boghe ha sido siempre fascinado por el diseño y la caligrafía, con particular atención por las formas orientales, por su parte Morcky se interesa mucho por la fotografía y el vídeo. The Boghe cursó la carrera en Bellas Artes, mientras que Morcky estudió Matemáticas, llevando a cabo su personal trayectoria artística de manera independiente.  

 

TwoThings, La Lunga corsa, 2009. Courtesy: GoGallery, Amsterdam.

 

TwoThings, La posta in gioco, 2009. Courtesy: GoGallery, Amsterdam.

 

TwoThings actúa como colectivo de «masters in art & design», moviendose en un entorno abigarrado y polifacético y dedicandose a varias actividades a la vez, que van desde las intervenciones urbanas (graffiti, stencil y stickers etc.) hasta el dibujo sobre papel; de la pintura sobre lienzo u otros soportes a la animación digital, al Dj/ing, Vj/ing etc. Son autores de videoclips de artistas internacionales (Anouk, Roger Sanchez, Dj Shablo etc.) y organizan exposiciones de obras propias o de artistas emergentes en galerías de países como Holanda, Italia, Alemania, Bélgica, Francia, España, Estados Unidos etc. Asimismo tienen ponencias en instituciones públicas y privadas, como el Mediamatic de Amsterdam, el Multimedia Institute of Technology o el Fashion Institute de Kuala Lumpur etc. A menudo promueven talleres de street art en el circuito underground y en ocasiones actúan incluso de forma anónima. Realizan también trabajos por encargo para comitentes particulares o grandes empresas multinacionales, como EMI, Epitaph, Blue Note, Adidas, Nike, Levi’s, Eastpak, MTV, Campari, Heineken entre otros. Sobre este tema The Boghe afirma que «exactamente como todo el mundo, también TwoThings tiene que sobrevivir» y es por ello que se dedica al trabajo por encargo, que define «arte comercial».  

La labor creativa de TwoThings varía continuamente. De hecho, pueden estar más centrados en el computer art, en la post-producción o en el editing si es que están trabajando para algún comitente. Pero en otras ocasiones pueden centrarse por completo en actividades no vinculadas a encargos y expresarse de manera libre a través del dibujo, la pintura, la escultura etc.   Continue reading

Nan Goldin y el backstage de la vida


Nan Goldin. Exposición personal de Nan Goldin: Galería Javier López. C/ José Marañón, 4. Madrid. Hasta el 30 de Diciembre.

 

Nan Goldin
Joana dressing after the bath, Sag Harbor, NY, 2001.
Cibachrome. Dim. 70 x 102 cm. Ed.: 4/15. Courtesy: Galería Javier López, Madrid. 2009.
  

En el actual panorama expositivo madrileño llama bastante la atención esta muestra de la galería Javier López dedicada a Nan Goldin (Washington D.C., 1953); sobre todo si se considera que desde el 2002 – año en el que la fotógrafa norteamericana ganó el Premio PhotoEspaña y el MNCARS le dedicó la retrospectiva Devil’s playground – en este País no se han tenido muchas ocasiones para apreciar su obra en el ámbito de una exposición individual.

Por su típico corte de la realidad, fundamentalmente autobiográfico y descriptivo, que se materializa en “fotografías-verdad” transgresoras e impactantes (tanto en sus contenidos como en sus encuadres) Nan Goldin está considerada unánimemente como una de las intérpretes visuales más representativas de la estética postmoderna y de la cultura underground metropolitana de finales del siglo XX. De hecho, a partir de los años ochenta, su fotografía revitalizó el género documental, privilegiando el afán descriptivo y convirtiendo la ausencia de “filtros” estéticos en el signo de identidad de su peculiar labor artística. Sus instantáneas sancionaron el abatimiento definitivo de las fronteras entre algunas categorías culturales dicotómicas tradicionales, como “masculino-femenino”, “elitista-pop(ular)”, “público-privado”, “íntimo-social” etc. Continue reading