Conocimiento e “inventio” en la obra de Stefano Bonacci


“Conocimiento e “inventio” en la obra de Stefano Bonacci”:  texto de introducción crítica a la obra del artista italiano Stefano Bonacci (Perugia, 1971). Con este artículo sigue nuestra colaboración con el website amigo Submergentes.com.  Aquí va el link, espero que os guste…

Conocimiento e “inventio” en la obra de Stefano Bonacci

 

Studio di testa, 2001. Courtesy: Stefano Bonacci.

 

Senza titolo, 2005, Senko Studio, Viborg (DK). Courtesy: Stefano Bonacci. 

 

 

Uno e cinque (Uno y cinco), 2008, neón, hierro, vidrio catedral, cables eléctricos, cm. 442x446x46. Courtesy: Stefano Bonacci.
  
Il ponte, 2004, San Casciano dei Bagni, Siena (Italia). Courtesy: Stefano Bonacci.
 
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La interzona escultórica de Conrad Shawcross y el co-marketing de Muji.


THE LIMIT OF EVERYTHING. Exposición personal de Conrad Shawcross – I GOT A BREAK BABY…. Proyecto colectivo en colaboración con MUJI. Galería Pilar Parra & Romero. C/ Conde de Aranda, 2. Madrid. Hasta el 14 April de 2010.

Conrad Shawcross, SLOW ARC IN A CUBE II, 2008, light, steel, motors, 93 x 93 x 140 cm. © Photo by: Mariano C. Peuser. Installation Galerie Emmanuel Perrotin, Miami. Courtesy: Victoria Miro Gallery, London.

 

La obra de Conrad Shawcross (Londres, 1977) – presentada por primera vez en un espacio privado español en esta exposición en la galería Pilar Parra & Romero de Madrid – se mueve en aquella zona de las artes actuales en la que confluyen el arte cinético, el arte conceptual, la instalación y la escultura material y de luz. Se trata de una labor de carácter híbrido en la que los objetos y el espacio desempeñan un papel fundamental en la creación tanto de esculturas estáticas como de las típicas máquinas en movimiento de Shawcross.

Valiéndose de la célebre categoría estética burroughsiana, la obra de Shawcross se podría definir como interzona escultórica. En sus escritos críticos y literarios – que tanta influencia tuvieron en la definición de la estética post-moderna y “multi-sensorial” – William S. Burroughs había definido Interzone aquel lugar mental y narrativo en el que las conexiones asociativas del lector se encuentran interrumpidas por la práctica del cut-up, de tal manera que el propio lector se convierte de pasivo consumidor de las ideas de los demás en artífice de su propio conocimiento autónomo, rompiendo los límites convencionales y abriendo horizontes inimaginables de libertad y opciones posibles. En este sentido, su obra se configura como un himno solemne a la individualidad y a la libre construcción de los significados de la realidad. Continue reading

Sociología del arte y arte sociológico.


Giacomo Balla, Dinamismo di un cane al guinzaglio, 1912. New York, The Museum of Modern Art (MoMA).

 

Se podría afirmar que, desde hace por lo menos un siglo y medio – esto es, a partir de las inquietudes estéticas realistas de mediados del siglo XIX – haya ido desarrollándose cierta dimensión implícitamente sociológica de las prácticas artísticas. Me refiero a aquella visión del arte como hecho consciente de interacción crítica y “deconstructora” con respecto a la realidad social; o – dicho de otra forma – como lugar material y simbólico dentro del cual desplegar un discurso público y expresar opciones concretas sobre las representaciones de la sociedad misma, sobre sus valores, significados y reglas poniendo en duda sus límites, presupuestos y convenciones. Cabe destacar, por ejemplo, la importancia que, a lo largo de las últimas décadas, se ha atribuido a temas artísticos de carácter social como la identidad, la otredad, la diferencia, el género, la etnia, la generación, la procedencia geográfica, las minorías, las subculturas etc.

Cuanto dicho resulta muy evidente si consideramos algunas formas concretas de arte emergente, como el street art: etiqueta que, en realidad, suena hoy en día bastante reductiva, ya que abarca manifestaciones artísticas muy distintas entre sí que han salido varias veces de la calle para ingresar en los lugares del mainstream del sistema del arte contemporáneo (museos, galerías, casas de subastas, manuales de historia del arte etc.). Es, éste, el caso, por ejemplo, de artistas como K. Haring, J.M. Basquiat, R. Pettibon, Banksy, Os Gêmeos etc. A propósito del arte callejero, Johannes Stahl habla de obras que surgen del deseo de ejercer un «derecho estético sobre el espacio público».[1] Continue reading

Objeto y contexto (jugar con Kounellis).


(publicado en soitu.es el día 19-10-2009)

Jannis Kounellis + Abierto x obras. Exposición personal de Jannis Kounellis en dos sedes: Galería Nieves Fernández. C/ Monte Esquinza, 25 Madrid + Matadero Madrid. Paseo de la Chopera, 14 Madrid. Hasta el 15 de Noviembre de 2009.

 
Jannis Kounellis, “Sin título”, 2009, materiales diferentes. Courtesy: Galería Nieves Fernández, Madrid.

 

Cuando, en 1969, Jannis Kounellis (Pireo, Atenas, 1936) presentó en Roma su celebre performance Senza titolo. Dodici cavalli vivi – en la que se exhibían doce caballos vivos atados a las paredes de la galería L’Attico – la puesta en duda de lo que sea lícito o no considerar arte y de cómo se deba “hacer” una obra (es decir, con cuáles premisas teóricas, recursos y límites) difícilmente podía resultar más explícita y contundente. El espacio expositivo; los animales; sus olores; sus rumores; sus movimientos; sus huellas y desechos contribuían a dar la vida a un “hecho” artístico radical a través del cual la realidad y la naturaleza entraban de manera impetuosa en el mundo del arte, violando una vez más su sagralidad, sus presupuestos elitistas, sus “santuarios” e intentando dar el posible golpe de gracia a la tradición de la representación; a sus lógicas y procesos. Aquel evento legendario representó sin duda uno de los “cortes” materiales y simbólicos más detonantes de la segunda mitad del siglo XX, aportando una contribución importante a la redefinición de la manera de entender y de producir el arte contemporáneo. Continue reading